Il russo Alexey Brodovitch ha iniziato la sua carriera negli anni ’20 a Parigi come designer prima di rivoluzionare la fotografia di moda e le pubblicazioni di riviste in America. Ha insegnato e fatto da mentore a numerosi importanti fotografi di moda. Iniziando la sua vita americana come insegnante al Philadelphia College of Art nel 1930, ha tenuto i suoi seminari “Design Laboratory” negli anni ’50. Concepito come “un laboratorio sperimentale”, il workshop ha enfatizzato l’apprendimento innovativo da “incidenti” ed “errori” come un modo di lavorare attraverso problemi pratici di progettazione.
Brodovitch ha incoraggiato nei suoi studenti un approccio al design interattivo e reale che esplorasse processi divergenti e spesso contraddittori. I suoi corsi hanno costituito la base per la futura educazione al design e, come tale, la sua eredità è stata tramandata attraverso le generazioni future di designer e fotografi.
Nello stesso periodo di tempo, Brodovitch è emerso come un’autentica icona del design attraverso il suo ruolo di art director presso Harper’s Bazaar , un incarico che ha ricoperto tra il 1934 e il 1958. In effetti, il senso modernista del design di Brodovitch ha rivoluzionato la moda formato rivista e introdusse tecniche che sarebbero diventate il modello per le pubblicazioni successive, come Irving Penn.
“Tutti i designer, tutti i fotografi, tutti i direttori artistici, che lo sappiano o no, sono studenti di Alexey Brodovitch”.
Pionieristico nell’uso di testo e immagini nei layout a doppia pagina; l’uso della fotografia a colori; immagini ritagliate e fuori centro; e l’uso estensivo dello spazio bianco, il suo approccio radicale finì per essere adottato come standard del settore. In effetti, come direttore artistico di Harper’s , Brodovitch è stato direttamente responsabile dell’importazione del modernismo europeo nelle principali pubblicazioni americane, assegnando incarichi di moda a importanti avanguardisti tra cui Man Ray , Jean Cocteau , Raoul Dufy , Marc Chagall e AM Cassandre.
Brodovitch è anche accreditato di aver liberato il modello di moda dallo studio e la sua decisione di scattare all’aperto e di fotografare modelli impegnati in attività ordinarie, ha informato una serie di tendenze fotografiche tra cui il look “americano” degli anni ’30 agli “scatti d’azione” di gli anni ’50. Attraverso il suo lavoro nel settore delle riviste, ha scoperto e fatto da mentore a numerosi fotografi che avrebbero plasmato la direzione della storia della fotografia, tra cui Robert Frank , Richard Avedon e Lisette Model.
I successi Brodovitch
- Dopo aver affinato il suo mestiere di designer grafico e teatrale per l’ innovativo Ballet Russes di Sergei Diaghilev negli anni ’20, Brodovitch ha trasferito l’audacia e la spontaneità associate a quel famoso ensemble di artisti, compositori e artisti al formato conservatore (al confronto) della rivista di moda americana .
- Dedicato all’esplorazione della relazione estetica tra testo e immagine, Brodovitch ha rivoluzionato il mondo del design tipografico e della composizione tonale attraverso la sua tecnica dello “spazio bianco”; per cui la parola stampata assume un carattere estetico corrispondente a quello dell’immagine fotografica.
- Brodovitch vedeva il “duel-page-spread” come analogo alla fluidità di una composizione musicale. Rifiutando di attenersi a qualsiasi formula collaudata, Brodovitch ha sperimentato tecniche che avrebbero visto il design fotografico e tipografico diventare un tutt’uno (proprio come i partner di ballo).
- Brodovitch ha il merito di aver liberato la fotografia di moda dai confini dello studio. Prendendo spunto dal fotogiornalismo , ha promosso il cosiddetto “scatto d’azione” che utilizzava luoghi reali e posizionava le donne americane moderne all’interno dei loro ambienti vissuti. Allievi come Richard Avedon e Robert Frank hanno portato le loro macchine fotografiche per le strade e hanno incoraggiato i loro modelli a interagire spontaneamente con il loro habitat naturale.
Libri di Alexey Brodovitch
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Frasi di Alexey Brodovitch
Cos’è una buona fotografia? Non posso dire. Una fotografia è legata al tempo, ciò che è buono oggi può essere un cliché domani. Il problema del fotografo è scoprire il proprio linguaggio, un ABC visivo. L’immagine rappresenta i sentimenti e il punto di vista dell’intelligenza dietro la macchina da presa. Questa malattia della nostra epoca è la noia e un buon fotografo deve combatterla. Il modo per farlo è per invenzione, per sorpresa. Quando dico che una buona immagine ha valore di sorpresa intendo dire che stimola il mio pensiero e mi incuriosisce. Il modo migliore per ottenere una qualità sorprendente è evitare i cliché. L’imitazione è il più grande pericolo del giovane fotografo
Quando il fotografo alle prime armi inizia a fotografare, si porta dietro la macchina fotografica e riprende tutto ciò che gli interessa. Arriva un momento in cui deve cristallizzare le sue idee e partire in una direzione particolare. Deve imparare che sparare per il gusto di fotografare è noioso e non redditizio.
La personalità e lo stile di un fotografo di solito limitano il tipo di soggetto con cui tratta meglio. Ad esempio Cartier-Bresson è molto interessato alle persone e ai viaggi; queste cose, più la sua precisa sensibilità per le relazioni geometriche, determinano il tipo di foto che scatta meglio. Ciò che ha valore è che un particolare fotografo vede il soggetto in modo diverso. Una buona immagine deve essere un’espressione del tutto individuale che incuriosisce lo spettatore e lo costringe a pensare.
Le immagini scattate da un fotografo maturo sono interpretazioni del soggetto in termini di personalità e interessi propri del fotografo. Se ha inventiva, la fotografia può essere completamente riscoperta a modo suo.
Il fotografo, se vuole mantenere la sua integrità, deve essere responsabile verso se stesso, deve cercare un pubblico che accetti la sua visione, piuttosto che pervertire la sua visione per adattarla a quel pubblico. Sfortunatamente molti bravi fotografi non trovano mai questo pubblico e sono praticamente inoccupabili nel campo commerciale.
Ogni fotografo deve scoprire il suo personale ABC: l’imitazione è disonesta. Dobbiamo avere il coraggio di accettare o rifiutare i nostri pensieri e desideri. L’educazione artistica può essere pericolosa. Spesso uccide l’individualità e stabilisce uno stampo. Certamente devi conoscere gli strumenti e i materiali fondamentali e come usarli, ma devi scoprirli tu stesso.
Cos’è una buona fotografia? Non posso dire. Una fotografia è legata al tempo, ciò che è buono oggi può essere un cliché domani.
Il pubblico viene viziato da fotografie di buona qualità tecnica nelle riviste, in televisione, nei film, e si annoia. La malattia della nostra epoca è questa noia e un buon fotografo deve combatterla con successo. L’unico modo per farlo è per invenzione, per sorpresa.
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