Roy DeCarava: Il fotografo che ha cambiato Harlem

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Il fotografo Roy DeCarava ha notoriamente trasformato Harlem nella sua tela, per far vedere al mondo intero che nel suo quartiere c’era ben altro da vedere e sentire che i soliti temi.

Il lavoro di DeCarava è esso stesso il meglio di entrambi i mondi: visivamente rigoroso ma incalcolabilmente sensibile alla difficile situazione umana e alla psicologia della vita quotidiana, in particolare per quanto riguarda, ma non solo, gli afroamericani. Ha studiato pittura e incisione, prima di dedicarsi alla macchina fotografica, cosa che potrebbe averlo aiutato ad arricchire il suo nuovo mezzo in termini sia di aspetto che di significato. 

La reputazione di DeCarava iniziò a crescere all’inizio degli anni ’50, sulla base dei suoi simpatici ritratti degli abitanti di Harlem, dove era nato nel 1919 e cresciuto da una madre single, e dei numerosi luminari della musica che perseguivano il blues o il jazz, la prima arte moderna di questo paese . Questi includevano Billie Holiday, Duke Ellington e John Coltrane, che figurano nello spettacolo dei quartieri alti.

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Lo stile di DeCarava

DeCarava, morto nel 2009 , ha spostato la fotografia in bianco e nero dal documentario sociale verso l’espressione estetica e personale. Ma intendeva anche combattere il problema, come lo ha descritto lui, dei neri “non rappresentati in modo serio e artistico”. Lo ha fatto con elegante vendetta, favorendo il potere formale sulla narrativa senza badare né alla dignità dei suoi sudditi, né alle dure realtà che molti hanno affrontato. Guardando molte delle sue immagini non possiamo fare a meno di essere consapevoli di quello che oggi viene chiamato razzismo sistemico, ma c’è molto altro da vedere e sentire.

A volte i suoi soggetti sembrano semplicemente superare queste difficoltà, come la giovane donna in “Laurea”, una delle sue immagini più note; con indosso un abito bianco, sembra fluttuare maestosamente lungo un marciapiede fiancheggiato da un lotto vuoto e da un mucchio di spazzatura. A volte gli ostacoli si riflettono, come nella grave determinazione sul volto di un giovane manifestante per la libertà a Washington nel 1963. E a volte sono descritti con una bellezza da far venire la gola e con un’ambiguità inquietante, come nell’uomo di “Pepsi”, che allunga la sua braccia e parte superiore del busto per sollevare una cassa della bibita.

L’oscurità era il tema principale dell’arte di DeCarava: la sua forma, il suo contenuto e l’argomento (le storie raccontate dalle sue immagini) tutto in uno. Le sue immagini sottolineano costantemente la bellezza dei neri , degli artisti e della cultura. Ma prima c’è la sorprendente oscurità delle sue fotografie come oggetti, indipendentemente dal soggetto, che ha ottenuto utilizzando tecniche di stampa innovative.

Il lavoro di DeCarava comprende una straordinaria gamma di tonalità oscure, dal carbone profondo alla foschia pallida. Illuminate da usi squisitamente scarsi della luce o da blocchi contrastanti di relativa luminosità, le sue fotografie sono allo stesso tempo affascinanti, misteriose e stimolanti. A distanza ravvicinata , rivelano significati stratificati che sono variamente psicologici, sociali, culturali e persino strutturali. La ricchezza e la diversità dei toni scuri mettono in scena il contenuto profondo dell’arte di DeCarava; si alternano costantemente tra un fatto visivo e una metafora della differenza di ogni tipo.

La prima immagine della mostra in centro, “Wall Street, Morning” del 1960 mostra una complessità tonale commisurata alle eccezionali capacità di stampa di DeCarava. Uno stretto cuneo di cielo incastonato tra edifici apparentemente opachi proietta il ricciolo simile a una felce di un lampione in una sagoma netta. Sotto, una stupefacente panoplia di grigi tenui e profondi emerge dalle ombre: facciate di edifici, marciapiedi, pavimentazione. È un tour de force in tutti i sensi.

A volte ci sono voluti molti fallimenti in camera oscura prima che DeCarava sviluppasse una stampa accettabile. Questo è stato il caso di “Light and Shade”, una veduta aerea di un parco giochi con due ragazzi che impugnano pistole giocattolo in una partita di cowboy, anche se potrebbe volerci un momento per distinguere il secondo bambino appena visibile nell’ombra.

In “Progressive Labour” (1964) DeCarava riconosce la violenza razziale, ma indirettamente. Accanto all’insegna drasticamente troncata per gli uffici del Partito laburista progressista a sinistra dell’immagine (si legge “ressivo/BOR”) c’è un poster la cui vitalità da cartone animato raffigura diversi poliziotti, ognuno dei quali attacca un bambino con una mazza. Sul marciapiede sottostante si svolge un altro dramma. Un uomo bianco che indossa una specie di distintivo fulmina la gente mentre passa davanti a un negozio il cui cancello di ferro è ferocemente piegato.

A volte le differenze catturate da DeCarava riguardano più la classe che la razza. In “Man Lying on Park Bench, Bangkok” (1987), che potrebbe provenire da qualsiasi parte del mondo, DeCarava ha girato uno stretto specchio d’acqua. Cattura una scena estiva inondata di luce: una sontuosa dimora bianca arroccata sull’acqua e le sagome abbinate di un uomo e una donna su una barca al minimo nelle vicinanze. Ma questa vignetta è incorniciata e valorizzata da una più scura sulla sponda più vicina, dove si trovava DeCarava. Le sue sagome oscure includono il terreno, un albero e un uomo che sembra dormire su una panchina di pietra. È fuori dall’idillio estivo, eppure la sua presenza e la sua grazia odalisca sono essenziali per l’ambigua bellezza che contraddistingue l’arte di DeCarava.

Articolo tradotto dal New York Times.

Frasi Roy Decarava

  • Dovresti essere in grado di guardarmi e vedere il mio lavoro. Dovresti essere in grado di guardare il mio lavoro e vedermi.
  • Non credo proprio che la tecnica determini davvero la veridicità dell’immagine. È ciò che l’immagine fa allo spettatore che determina se è giusta o sbagliata.
  • Non c’erano immagini nere di dignità, né immagini di belle persone di colore. C’era questo grande buco. Ho provato a riempirlo.
  • Ma se è vero è bellissimo. La verità è bella. E quindi tutto il mio lavoro riguarda ciò che equivale a un rispetto per la vita stessa.
  • L’artista crea il materiale a cui guardiamo indietro come parte della storia.
  • Una fotografia è una fotografia, un’immagine, un’immagine, un’illusione compiuta in se stessa, che non dipende né dalle parole, dai processi riproduttivi né da altro per la sua vita, la sua ragion d’essere.
  • Gli artisti sono una parte molto importante della nostra società perché danno un grande contributo ai nostri valori. L’artista crea un sistema di valori su cui tutti cresciamo, che lo sappiamo o no.
  • Non è l’argomento che mi interessa tanto quanto la mia percezione dell’argomento.
  • L’artista è una specie di veggente e per natura è ottimista perché crede nel futuro.
  • Vedere il tuo lavoro sul muro è come l’ultima cosa che può succedere.

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