Conoscere i grandi fotografi italiani e internazionali è fondamentale per comprendere e apprezzare la storia della fotografia. Ogni fotografo ha contribuito in modo unico allo sviluppo della tecnica e all’evoluzione dell’arte fotografica, lasciando un’impronta indelebile nel mondo della creatività visiva.
Dal primo decennio del XX secolo, numerosi fotografi di talento hanno lasciato un’impronta indelebile nella storia della fotografia. Ognuno di loro, con il proprio bagaglio di esperienza e conoscenze, ha arricchito il panorama fotografico con opere iconiche e innovative.
Studiare i grandi maestri della fotografia non solo ci permette di apprezzare il loro contributo artistico, ma può anche ispirarci nel nostro percorso creativo. Come suggeriva Ansel Adams, ogni fotografia è il risultato di tutte le immagini che abbiamo visto, dei libri che abbiamo letto, della musica che abbiamo ascoltato e delle persone che abbiamo amato. In sostanza, una fotografia racchiude le nostre esperienze e conoscenze, offrendo un’espressione unica della nostra visione del mondo.
Gianni Berengo Gardin
Sempre fedele sostenitore della fotografia analogica e dell’attesa del “momento decisivo”, Gianni Berengo Gardin concepisce lo scatto come un “oggetto fisico”, dove la pellicola stampata assume un valore quasi pari al suo contenuto. Per lui, la fotografia non si limita a trasmettere un messaggio, ma diventa parte integrante di esso.
Le sue fotografie narrano la vita in Italia negli anni ’50 e ’60, ma non solo. È particolarmente noto per i suoi reportage sociali sui manicomi, dove documenta le terribili condizioni di vita dei pazienti nel 1968, suscitando un forte scalpore.
Berengo Gardin è fermamente convinto che i colori siano una distrazione, in quanto rischiano di allontanare lo spettatore dall’essenza dell’immagine. Per questo motivo, tutte le sue fotografie sono in bianco e nero.
Per Berengo Gardin, esiste una distinzione sostanziale tra una foto “bella” e una foto “buona”. Una foto “bella” può essere esteticamente gradevole ma non necessariamente significativa. Una foto “buona”, invece, è efficace perché comunica qualcosa all’osservatore.
Ciò che conta per Gianni Berengo Gardin è la capacità di raccontare una storia attraverso le sue immagini, trasmettendo emozioni e stimolando la riflessione.
Luigi Ghirri
Tra i fotografi italiani di fama, Luigi Ghirri è stato riconosciuto come “Il fotografo dei paesaggi”.
Nato nel 1943, Ghirri aveva una passione per l’arte in tutte le sue sfaccettature, e questo ha influenzato profondamente il suo approccio alla fotografia.
Uno dei progetti più celebri di Luigi Ghirri è stato “Viaggio in Italia”, che ha segnato un punto di svolta nella fotografia paesaggistica, insegnandoci un nuovo modo di osservare e interpretare il paesaggio.
I paesaggi ritratti da Ghirri sono caratterizzati da un senso di sospensione e da una distanza dal realismo. Le sue inquadrature, studiate ed essenziali, trasmettono una sensazione quasi metafisica.
Il minimalismo è al centro dello stile fotografico di Luigi Ghirri. Attraverso la sua lente, l’interesse principale era catturare la semplicità degli elementi della vita quotidiana, spesso con l’assenza quasi totale della figura umana e l’influenza sottile dell’uomo sul paesaggio.
Ghirri è stato uno dei pionieri della fotografia a colori in Italia, prediligendo tonalità tenui e delicate che sottolineavano la sua sensibilità artistica.
Possiamo considerare Luigi Ghirri come uno dei grandi maestri della fotografia italiana, poiché credeva che la fotografia non dovesse solo documentare la realtà, ma anche metterla in discussione e far riflettere.
Attraverso uno stile essenziale, Ghirri ci insegna a osservare la realtà da una prospettiva diversa, attivando un campo di attenzione nuovo e più profondo.
Anche se le sue fotografie possono sembrare semplici a prima vista, Ghirri ci ricorda che è importante imparare a osservare da una nuova prospettiva, in grado di rivelare significati nascosti al di là dell’apparenza.
Ferdinando Scianna
Per Ferdinando Scianna, fotografia e scrittura sono due forme d’arte che si integrano armoniosamente, senza contrapposizioni.
Nelle fotografie di Ferdinando Scianna emerge chiaramente la sua profonda immersività nel contesto che vuole ritrarre. Per lui, vivere l’ambiente che fotografa e incontrare le persone del luogo sono fondamentali per cogliere lo spirito autentico che desidera trasmettere attraverso le sue immagini.
L’aspetto narrativo delle sue fotografie è centrale e indissociabile dall’immagine stessa; infatti, per Scianna, una fotografia deve necessariamente raccontare una storia, altrimenti rischia di restare un mero esercizio estetico.
La fotografia di Ferdinando Scianna non è né casuale né finalizzata esclusivamente all’apprezzamento estetico. È piuttosto un’arte della conoscenza, un mezzo per approfondire il soggetto che si trova dietro alla sua lente. L’empatia tra l’artista e il soggetto, che sia umano o no, è un elemento centrale del suo lavoro.
Nella breve massima “Le fotografie mostrano, non dimostrano”, risiede tutta la filosofia di Ferdinando Scianna, che enfatizza l’importanza di comunicare attraverso le immagini senza ricorrere a spiegazioni esplicite.
Oliviero Toscani
Rinomato fotografo pubblicitario e di moda, si è sempre distinto per le sue immagini insolite e controverse.
Oliviero Toscani è un fotografo anticonformista, le cui fotografie provocatorie mirano sempre a trasmettere un messaggio significativo.
Per lui, una fotografia non è semplicemente un’immagine fine a se stessa, ma un mezzo per comunicare qualcosa di importante.
Tra le sue campagne pubblicitarie più celebri per “United Colors of Benetton”, molte hanno suscitato stupore, shock e critiche. Un esempio emblematico è la fotografia di una ragazza anoressica, che Toscani ha utilizzato non solo per provocare, ma per denunciare un problema reale, portandolo alla luce attraverso la potenza del mezzo fotografico.
Mimmo Jodice
La fotografia di Mimmo Jodice fonde immaginazione e realtà in un’unica visione artistica.
Nato a Napoli, nel cuore del Mediterraneo, l’ambiente circostante ha influenzato profondamente il suo lavoro, caratterizzato spesso da richiami all’antichità classica. Dopo un periodo iniziale di sperimentazione, negli anni ’60 Jodice sente la necessità di documentare gli eventi sociali che lo circondano. Intorno al 1978, il suo stile subisce una trasformazione significativa, allontanandosi dalla rappresentazione diretta della realtà e virando verso una fotografia più “metafisica”, che cattura scatti urbani ricchi di simbolismo.
Nel corso della sua carriera, Jodice sperimenta costantemente, tornando periodicamente alle sue radici artistiche durante i momenti di apice creativo.
Ciò che possiamo apprendere da Mimmo Jodice è il valore dell’esplorazione nella fotografia, considerandola non solo come uno strumento descrittivo, ma soprattutto espressivo.
Le sue fotografie combinano curiosità e una rigorosa perfezione stilistica, trasmettendo un dualismo tra immaginazione e realtà. L’uso spesso del bianco e nero fortemente contrastato è motivato dalla volontà di distanziarsi dalla realtà quotidiana, creando immagini senza tempo e senza limitazioni temporali.
Per Jodice, l’obiettivo non è catturare semplicemente ciò che è esteticamente bello, ma piuttosto rivelare gli aspetti più intensi e profondi del soggetto, che sia una statua classica o una città moderna.
Come afferma lo stesso Jodice, l’essenza del suo lavoro risiede nell’intensità, poiché è da essa che scaturisce l’emozione.
Ugo Mulas
Tra i fotografi italiani di fama del secondo dopoguerra, Ugo Mulas occupa un posto di rilievo.
Il suo interesse per la fotografia nasce casualmente. Attratto dal mondo dell’arte, Mulas si forma da autodidatta.
Per Mulas, fotografare è sinonimo di testimonianza della società che lo circonda. I suoi primi lavori documentano le periferie milanesi, la città nel dopoguerra e gli ambienti artistici frequentati dagli amici del Bar Jamaica, in particolare artisti e intellettuali legati all’Accademia di Brera.
Mulas è diventato celebre per il suo racconto del mondo dell’arte contemporanea.
Dal 1954 al 1972, ha documentato la Biennale di Venezia. Nel 1964, con l’arrivo della Pop Art alla Biennale, Mulas ottiene l’accesso alla scena artistica newyorkese, ritraendo importanti artisti degli anni Sessanta come Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Frank Stella, Marcel Duchamp, solo per citarne alcuni.
Per Mulas, fotografare non significa semplicemente riprodurre l’oggetto d’arte, ma catturare il contesto in cui si sviluppa. Ad esempio, la sua fotografia di Lucio Fontana al lavoro non mira solo a documentare l’opera in sé, ma a sottolineare il pensiero che guida la sua creazione.
Franco Fontana
Franco Fontana è un rinomato fotografo italiano di fama internazionale, eminente esponente della fotografia a colori a partire dagli anni ’60.
Le sue fotografie sono distintive per alcuni elementi che le rendono uniche: colori saturi e linee geometriche definite nei paesaggi, che conferiscono loro un aspetto più simile a dipinti che a fotografie.
Sebbene prediliga i paesaggi rurali come soggetti, per Fontana i veri protagonisti delle sue immagini sono sempre i colori e le linee geometriche, utilizzati per creare composizioni astratte. In questo modo, la scelta dei soggetti diventa secondaria rispetto all’espressione delle forme e dei colori.
Le sue fotografie paesaggistiche non sono semplici rappresentazioni della realtà visibile, ma diventano rappresentazioni astratte caratterizzate da colori intensi e linee definite.
Colore, spazio, forma e luce sono le parole chiave che guidano il suo lavoro creativo.
Per Fontana, il colore è uno strumento per interpretare la realtà piuttosto che documentarla. La sua abilità nel individuare forme geometriche nel paesaggio e la sua sensibilità nell’apprezzare i colori lo hanno portato alla creazione della sua celebre collezione “Landscapes”.
Una caratteristica distintiva di Fontana rispetto ad altri fotografi italiani è la sua apertura all’uso della post-produzione. Egli ritiene che anche i colori debbano essere reinterpretati per esprimere appieno la sua visione artistica.
Gabriele Basilico
Attraverso la sua opera fotografica, Gabriele Basilico ha documentato i mutamenti urbani, concentrandosi sulla fotografia di paesaggi e architetture.
Celebri sono i suoi “Ritratti di Fabbriche” nelle zone industriali di Milano, in cui le fabbriche assumono un ruolo di primo piano, non limitandosi a essere semplici strutture ma veri e propri soggetti.
Gabriele Basilico è stato uno dei più grandi fotografi di aree urbane del mondo, immortalando città come Beirut, Berlino, Istanbul, Rio, Napoli e Roma, tra le altre.
Il suo interesse principale era rivolto alle trasformazioni del paesaggio urbano. Attraverso le sue fotografie, ha cercato di narrare e analizzare queste metamorfosi degli spazi costruiti dall’uomo, sia nelle città che nelle zone industriali.
Nelle sue immagini, l’uomo è spesso assente, poiché Basilico riteneva che non fosse necessario per rappresentare la città. Ciò che assume importanza sono le forme degli edifici nello spazio, che raccontano la vita, l’evoluzione e il progresso della città stessa.
Prevalentemente utilizzando un banco ottico, strumento che consentiva un lavoro lento e riflessivo sul paesaggio, Basilico ha prodotto una fotografia caratterizzata da inquadrature impeccabili, bianco e nero, e una interpretazione dei luoghi finalizzata a comprenderli piuttosto che semplicemente registrarli.
Letizia Battaglia
Letizia Battaglia è stata una fotoreporter rinomata per il suo impegno nel raccontare la sua città, Palermo, e la Sicilia, segnata da episodi di mafia, ma il suo lavoro va oltre.
Attraverso la fotografia, Letizia Battaglia ha sempre cercato di affrontare tematiche sociali e di portare all’attenzione pubblica il degrado e le condizioni di vita degli ultimi: i bambini dei quartieri emarginati, le donne, i poveri in generale.
Una donna fotografa coraggiosa, che ha fatto dell’impegno sociale non solo il tratto distintivo della sua fotografia, ma anche della sua vita.
Le sue immagini, costantemente orientate alla ricerca della verità, sono potenti e talvolta strazianti, documentando criticamente la realtà di Palermo negli anni Ottanta e Novanta. Per questo motivo è stata definita la “fotografa della Mafia”.
La scelta del bianco e nero nelle fotografie di Letizia Battaglia è funzionale, ponendo il contenuto al di sopra della forma estetica.
Tina Modotti
Tra i grandi fotografi italiani del Novecento, non possiamo tralasciare di menzionare Tina Modotti, una figura di spicco sia nella fotografia che nell’arte in generale, che ci ha lasciato testimonianze significative dei primi decenni del secolo scorso.
Nata nel 1896, Modotti inizia il suo percorso artistico come attrice teatrale e cinematografica, per poi avvicinarsi alla fotografia grazie alla collaborazione con il compagno Edward Weston, sviluppando nel tempo uno stile fotografico unico e personale.
La sua passione per la politica influenza profondamente il suo lavoro fotografico, orientandolo verso una denuncia sociale che raggiunge il culmine soprattutto negli anni ’20, periodo in cui il suo impegno politico è più intenso.
Tina Modotti può essere considerata una pioniera della street photography, poiché si concentra maggiormente sui contenuti sociali piuttosto che sugli aspetti estetici. Le sue fotografie ritraggono persone in situazioni quotidiane, catturate in momenti spontanei e autentici.
Modotti è stata una figura poliedrica: attrice teatrale e cinematografica, ritrattista nei suoi esordi nella fotografia, ma soprattutto una fotografa impegnata nel denunciare le ingiustizie sociali, rendendo la politica centrale nella sua vita. Una donna fotografa che ha incarnato il concetto di libertà artistica e di espressione.
